Macbeth – Scarnificare i classici

Shakespeare è uno degli autori più adattati al cinema di tutti i tempi. E questo va al di là della qualità delle opere, o della qualità dei testi. È grazie alla sua praticamente innata capacità di raccontare l’essere umano che è tale al di là dei tempi e dello spazio.

E quindi se il cinema tutto se ne cade, si manterrebbe sugli adattamenti delle opere di Shakespeare.
Che siano questi diretti o indiretti.
Del resto, cosa hanno in comune Ran di Kurosawa, Il Padrino, Yellowstone e Succession se non trovarsi a mettere in scena in modi diversi la tragedia di Re Lear?
È la forza dei classici, molto spesso tale da funzionare come un genere a parte, con i suoi archetipi e le sue soluzioni. E all’interno di questo genere ci si può fare quello che si vuole.

Anche per Macbeth non è la prima volta che viene adattato per il cinema e ognuno può scegliere la versione che preferisce e sarebbe comunque valida. Orson Welles nel ’48, Kurosawa nel ’57, Polanski nel ’71 con la sua estetica quasi horror, il Macbeth glamour di Kurzel nel 2015 fino ad arrivare a Joel Coen (quello de I Fratelli Coen per capirci) e The Tragedy of Macbeth.

In linea puramente teorica assolutamente niente di nuovo eppure quando si approccia l’opera in maniera consapevole comunque si riesce a tirare fuori qualcosa di inedito da una materia alla quale tanti autori con personalità diverse hanno attinto prima e comunque riuscire ad imporsi.

Quindi cosa fa Joel Coen? Lavora di sottrazione. Toglie tutto il superfluo per scagliare l’opera verso lo spettatore con tutta la sua forza per mezzo di una regia precisissima, interpretazioni fuori scala e una messa in scena che qualcuno potrebbe definire minimale (ma ci torneremo sopra) che lascia alla luce e all’ombra il compito di definire lo spazio e lo stato d’animo dei protagonisti della Tragedia dell’Ambizione.

Che se vogliamo è quello che dovrebbe fare qualsiasi buon adattamento, forse un po’ pretenzioso, come molte delle pellicole prodotte da A24 con un piglio fortemente autoriale che costeggia l’autoreferenziale senza annegare il testo.

Il tutto prodotto dai tipi di A24, bandiera di un certo cinema indipendente che piace anche al popolo mainstream, direttamente a casa vostra sulla piattaforma Apple TV+.

E questo spirito da cinema indipendente fuoriesce fin dalla prima scena: aspect ratio in 4:3, bianco e nero nitidissimo e prima che iniziate con le battute sul Justice is Grey di Zack Snyder, vi anticipo dicendo che il tutto conferisce al film un look immortale, nel senso che mescola coscientemente una messa in scena quasi espressionista nell’uso drammatico delle luci e delle ombre avvicinando il film per certi versi più ad un tiratissimo Bergman che alla ricchezza di un Welles e comunque sarebbe una reference solo in parte corretta per descrivere il film.

Partiamo dal presupposto che il termine “moderno” in questo caso è utilizzabile in maniera corretta.
La cosa che fa questa messa in scena è tagliare tutti i riferimenti che possono anche solo lontanamente storicamente accurati.
I costumi sono quanto di più elementare possibile e comunque fanno il minimo per collocare l’opera nell’idea astratta di medioevo più che in un tempo specifico.

E qui entrano in campo le scenografie moderniste che descrivono ambienti scabri, privi di caratteristiche, esclusivamente definiti dalla loro volumetria e dalla luce che li investe a descrivere spazi illuminati e oscuri che prima coesistono affiancati fino a collidere in un grigio tipico dell’ambiguità morale che caratterizza tutta l’opera.

Se ci vedete De Chirico non state commettendo un errore di decodifica dell’immagine, ma anzi vi è utile per entrare nella dimensione in cui l’opera vuole muoversi. Non il passato, non il presente, ma uno spazio privo di termini di riferimento, nuovo, razionalista più che razionale in quanto la forma è dettata dall’uso drammatico che si vuole fare della luce.

Il Macbeth dell’inizio è avvolto dalla luce, è il vittorioso vassallo di Re Duncan. Dopo l’incontro con le streghe inizia a sprofondare nei neri pensieri che il destino manifesto gli ha aperto davanti. I dubbi, le ambiguità sono rappresentati correttamente dai percorsi che i personaggi intraprendono tra tagli di luce e ombre.

Lady Macbeth prima, mentre legge la lettera che il marito gli invia, inizia nella luce e finisce nell’ombra, e Macbeth dopo, nel portico che lo separa dalla stanza del re e dal delitto che sta per compiere, un passo nella luce e uno nell’ombra, evidenziato con enfasi dalla regia che punta l’occhio della telecamera sugli stivali accompagnando il monologo del futuro assassino. A chiudere, si apre la porta, si spalanca il buio.

Per parlare delle gigantesche interpretazioni di Denzel Washington (intenzionato qui a giocarsela per il titolo di miglior attore vivente) e Frances McDormand bisogna ancora una volta parlare della luce e delle ombre, di come queste incidano i volti accentuandone le espressioni, i toni drammatici, le incurvature dei muscoli. La lucida follia di Macbeth forte di un destino manifesto e il senso di colpa devastante di Lady Macbeth che la tramutano in una creatura spettrale che infesta il castello tormentata dalla colpa.
Ecco: è perfettamente leggibile l’inversione di ruolo tra i due prima e dopo l’omicidio di Re Duncan, quasi due metà della stessa colpa che si rafforzano e si indeboliscono a tempi alterni.

Qualcuno potrebbe sollevare qualche dubbio sulla legittimità dell’operazione, della forma del cinema e della forma del teatro.
Ebbene Joel Coen compie un’azione di sintesi impeccabile nel raccontare la tragedia con una ricchezza e una consapevolezza cinematografica all’interno della dimensione teatrale, non posta al di fuori come se l’occhio del regista fosse l’occhio dello spettatore ma in concorrenza con questo, un punto di vista privilegiato che si può ottenere solo con il mezzo del cinema.

The Tragedy of Macbeth è una versione ridotta all’osso della tragedia di Shakespeare che lavora di sottrazione per restituire allo spettatore l’opera in tutta la sua potenza.