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Dunkirk: conta solo l’azione

Un film che come un giardino zen delinea la sua bellezza attraverso l’essenzialità della forma, ma che non rinuncia a una struttura barocca

“Per seguire la Via il samurai deve mantenere l’attenzione sul momento presente e non vacillare, non avere pensieri mondani né essere schiavo delle passioni. Ogni istante è importante e quindi è necessario concentrarsi sempre sul momento presente” Yamamoto Tsunetomo

Uomini di cui non conosciamo il passato e il futuro, azione che parla da sola, che non si spiega con le parole, ma con i gesti, dialoghi ridotti all’osso, al limite del film muto, pure immagini in movimento accompagnate da un tema sonoro ossessionate, come all’alba della cinematografia o nel pieno della nouvelle vague, una trama che non ha bisogno di niente, perché in questo film la storia è la Storia.

Questo è Dunkirk, un film profondamente zen in cui tutto ciò che non è essenziale viene lasciato fuori. Non ci interessa sapere chi erano questi uomini prima che apparissero sullo schermo né abbiamo bisogno di spiegazioni, tutto ciò che ci serve è di fronte ai nostri occhi, ripreso nella magnificenza di una pellicola da 70mm che ci ricorda come mai il cinema è una cosa e vedersi le serie TV sullo schermo del computer è un’altra.

Un film che ha molto in comune con un altro capolavoro che metteva il proprio genio a servizio più del come che del cosa: Fury Road. In entrambi i casi parliamo di viaggi quasi circolari, trame ridotte all’osso, personaggi conosciuti in media res e di immagini e suoni che prendono a schiaffi le sinapsi.

Ma Dunkirk è soprattutto Nolan, quel Nolan che ama i colori freddi e che si trova a sua agio sia nei campi lunghi che nei primissimi piani in stile western, in cui la mossa di un sopracciglio vale più di una pagina di dialoghi, che lascia a Zimmer il compito di sottolineare le immagini con una colonna sonora forse non particolarmente brillante ma adeguatamente assillante, fatta di ticchettii che si insinuano piano piano nel cervello e sembrano sabotare il ritmo del nostro cuore.

Ma soprattutto è il Nolan ossessionato dal tempo e dai suoi incastri, dalla sua non linearità. In Dunkirk arriva al suo punto più alto un discorso iniziato con Following, esploso con Memento e portato avanti in Inception e Interstellar.

Il film si basa su tre elementi: terra, acqua e aria, con tre differenti linee temporali, una settimana, un giorno, un’ora e tre “protagonisti”, un soldato che vuole scappare in ogni modo da Dunkirk, un uomo di mezza età alla guida di una barchetta che cerca di fare la sua parte e un pilota. Queste differenze vengono chiarite nei primi minuti, poi la successione degli eventi si spezzetta, si piega, si incastra e si mescola come i palazzi nei sogni di Di Caprio, per poi rivelarsi nel suo finale, mostrandoci il trucco, come in The Prestige. Capire il puzzle non sarà sempre facile, anzi, rappresenta forse l’unica sfida di un film che per il resto è estremamente asciutto (nonostante le molte scene acquatiche) nella sua rappresentazione.

Attorno alle figure cardine ruotano una serie di personaggi che a volte si incontreranno, a volte, presi come sono a cercare di sopravvivere in uno dei momenti più cruciali della storia moderna.

Con pochissimi elementi su cui appoggiarsi per comprendere, allo spettatore non resta altro che vedere e sentire: le urla dei soldati che hanno paura di morire nella stiva di una nave silurata, i laconici dialoghi tra piloti che decidono quale nemico abbattere, l’incredibile vista di 300.000 persone in fila su una spiaggia che ogni tanto si accucciano per evitare un bombardamento, sperando di potersi rialzare. Ogni immagine ha senso, ogni parola non è detta invano, ogni momento conta come gli altri.

Per il cinema di oggi, in cui la trama è tutto, il dialogo definisce il personaggio, lo spiegone è la regola e il pubblico guarda con la lente ai “buchi di sceneggiatura” ci troviamo di fronte a qualcosa di estremo e sperimentale, ovviamente per quanto riguarda i blockbuster, un’operazione che giusto uno come Nolan si poteva permettere.

Il risultato è un film di pura azione, intesa non solo come cose che esplodono, ma come immagini in movimento, un concentrato di ansia, paura di morire e speranza che Nolan guarda non con l’occhio emozionato e partecipe di uno Spielberg, ma col distacco quasi asettico dell’entomologo: sembra quasi di trovarsi di fronte a un documentario in cui la macchina da presa non parteggia né per il leone, né per la gazzella. Tutti sono importanti, ma nessuno è indispensabile per fare un grande film, quello che una volta avremmo chiamato Kolossal.

Dal punto di vista dello spettatore questo si traduce in una sorta di assedio alle nostre coronarie, non c’è un solo momento che non sia caratterizzato dall’ansia, dalla paura di morire, dal bisogno di fare le cose in fretta, perché la morte è là, presentissima è invisibile. I tedeschi ci sono, ma non li vediamo mai. Come gli indiani di Ombre Rosse sono un’entità invisibile e oppressiva che si manifesta solo nel momento in cui colpisce. Solo alla fine il film decide che finalmente può mollarti la carotide per farti respirare, mentre ti chiedi come hai fatto a reggere così tanti minuti sull’orlo di una crisi di nervi.

I personaggi, raccontati più dai loro gesti che dallo loro parole, sono invece equamente divisi tra due tipi di eroismo: quello “normale” di chi fa il suo dovere e aiuta gli altri, nonostante tutto, come il capitano della barca o il pilota di caccia, incredibilmente interpretato da un Tom Hardy che riesce a trasmettere tutto ciò che serve pur rimanendo tutto il tempo bloccato in un abitacolo e con una maschera per l’ossigeno sulla bocca. E quello di chi sopporta, di chi si arrangia, resiste e cerca comunque di salvarsi con la furbizia e l’egoismo di chi vuole vivere, anche se sarebbe molto più semplice lasciarsi catturare o morire.

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Unica nota stonata, ma parliamo di dettagli da riportare giusto per il gusto di trovare il pelo nell’uovo, è il momento in cui Nolan sul finale decide di allentare un attimo la presa e si concede un momento di realismo magico da film d’azione, sul quale evito di darvi troppi dettagli, quando ci arriverete capirete.

Con Dunkirk ci troviamo di fronte al Cinema, quello bello, fatto con cura, mezzi e capacità, quello che devi vedere nel più grande schermo possibile e che è in grado di spegnere tutto ciò che lo circonda, quello che non si accontenta di essere televisione proiettata sul muro. Siate felici di poter essere i primi a vederlo al cinema e andateci ogni volta che potete.

Capolavoro? Sì.

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Quel pasticciaccio brutto de La Torre Nera

Qualcuno ha dimenticato il volto di suo padre, ma anche del resto della famiglia

Quando sono uscite le prime notizie sull’adattamento de La Torre Nera l’ho difeso a spada tratta da chi lo bollava a priori come una puttanata. Perché la stessa vicenda si può raccontare in mille modi, perché nessuna storia è intoccabile, perché cerco di non giudicare in base alle sensazioni e perché Elba e McConaughey sono attori che stimo.

Ci ho creduto anche quando ho visto Roland lanciarsi nel vuoto e sparare come se fosse in Equilibrium o in un film di John Woo.

Sapevo che non potevo aspettarmi un racconto fedele, sarebbe stato come travasare una botte di vino in un bicchiere. La saga de La Torre Nera è un racconto contorto, esoterico, stratificato e complesso, egualmente diviso tra horror, mito arturiano, western e cyberpunk. Molte delle cose che funzionano su carta sarebbero complicatissime da portare sullo schermo.

D’altronde fin da subito era stato messo in chiaro non sarebbe stata una trasposizione fedele del romanzo, ma un qualcosa che ne prendeva personaggi e suggestioni per dar vita a un lungometraggio che fosse conclusivo, che volendo poteva aprirsi verso una saga cinematografica.

Diciamo che, da quel che ho visto, potremmo anche evitare di menzionare eventuali seguiti, aspettare che il pubblico dimentichi e ripartire fra qualche anno con una bella serie TV di almeno sei o sette stagioni.

Questo è un film che ha dimenticato il volto di suo padre, ma pure di tutti gli altri parenti.

Fondamentalmente ci troviamo di fronte a un racconto fantasy PG-13 per ragazzi in stile “La Storia Infinita” con L’uomo in nero nella parte del Nulla e di Gmork.

I cliché ci sono tutti: il bambino speciale che è la chiave di tutto, ma che i genitori credono pazzo, un mondo parallelo a cui accedere con dei portali e un difensore praticamente invulnerabile, qualche mostro di contorno, demoni in agguato. Su questa impalcatura di base sono stati incollati in maniera frettolosa alcuni elementi del primo capitolo della saga, giusto per dare uno straccio di senso alle varie sequenze in cui Elba spara o McConacoso gigioneggia a fare il cattivone standard, tutto qua. Una roba che cerca di remixare ciò che gli ’80 e ’90 hanno detto sull’argomento senza riuscire ad aggiungere nulla.

Questa forse è l’unica chiave di lettura positiva del film: un racconto fantastico che potrebbe piacere ai ragazzini e forse a qualcuno che non ha letto il libro e ha poco senso critico. Il resto crolla più rumorosamente di quanto non farebbe la Torre.

Dimenticate la gravitas del Pistolero, la complessità del suo personaggio e la sensazione che ogni colpo della sua pistola sia il frutto di un ragionamento profondo. Il Roland del film è fondamentalmente un toro armato e incazzato che si butta a testa bassa contro l’uomo in nero, il quale cerca di rapire bambini in tutto il mondo per lanciare dalla loro testa un raggio laser contro la Torre.

Gli unici aspetti positivi sono, forse, le rappresentazioni visive del Medio-Mondo, la sua desolazione fatta di deserti e strutture di un passato remoto, ma non è niente che un giocatore di Fallout (che viene palesemente citato nei display verdi dei portali) non abbia visto/fatto molto meglio. Poco posso dire sulla recitazione, non avendolo visto in lingua originale, ma il casting dei personaggi principali mi è parso azzeccato. Gli altri si dimenticano subito.

Meno male che alla fine hanno tolto alle pistole quell’effetto “spada laser” azzurrino che rendeva il tutto ancora più posticcio e forzato.

Complice anche la durata abbastanza breve, tutto si muove troppo velocemente, senza darci il tempo di assaporare le cose, di trovare un senso, senza una coesione di fondo. Impossibile anche solo scorgere la complessità di fondo della storia, dei suoi protagonisti del “mondo che è andato avanti”. I rari momenti di tranquillità servono solo per raccontare allo spettatore cosa succederà nelle scene successive, il resto son pistolettate e poco altro. I pochi momenti piacevoli sono quelli di Roland che cerca di ambientarsi nel mondo moderno, ma questo perché il topos narrativo del “tizio di un altro mondo che arriva sulla Terra” funziona sempre.

Sarebbe stato sufficiente condensare il primo libro, catturando quel tanto che bastava della sua essenza per creare una saga che era già comodamente divisa in capitoli, ma si è deciso di proporre una banalissima storia di bene vs male con un bambino nel mezzo che pesca qua e là dall’inizio e dalla fine della saga, incollando pezzi a caso.

Cosa resta allo spettatore dopo la visione? Niente, non una soluzione di regia interessante, non una sequenza d’azione particolarmente originale, tutto scorre frettolosamente, come se il regista e gli attori non vedessero l’ora di concludere. Magari chi non conosceva i libri sarà spinto alla lettura, ma chi li venera cercherà di dimenticare questi 95 minuti il prima possibile, fortunatamente non sarà una missione difficile.

Giudizio finale:

SPOILER PER CHI HA LETTO TUTTI I LIBRI

So che l’avventura di Roland si azzera ogni volta, dunque teoricamente il film inizia là dove finisce il libro, con il pistolero nel deserto che ha ritrovato il corno di Eld, pronto a ripartire, ma fidatevi, per quanto sia un’affascinante chiave di lettura, non cambia niente. Purtroppo resta solo un film bruttino.

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Uomini e Topoi

Ovvero, quei trucchetti narrativi che mi fregano sempre e mi portano ad apprezzare un’opera nel 90% dei casi.

Ogni storia ha i suoi trucchetti narrativi visti e rivisti che non annoiano mai perché hanno quel gusto familiare di qualcosa che ci piace. Situazioni che conosciamo benissimo, ma che quando troviamo in un film, un fumetto o una storia possono ancora confonderci. E visto che in questo articolo parliamo di topos narrativi arcinoti ma sempre belli, mi sembrava giusto utilizzare una forma che ormai è diventata un classico di internet: l’articolo in cinque punti.

Lo so, ormai sono diventati come i tormentoni estivi quando arriva settembre. Ecco dunque i cinque topos che mi farebbero venire voglia di leggere persino un racconto pubblicato a puntate su Libero, scritto da Gigi D’Alessio con i disegni di quel vostro cugino bravissimo che vi fa il sito web a metà prezzo.

Divinità e modernità

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Il tema centrale di American Gods e The Wicked + The Divine, due opere estremamente interessanti che affrontano la questione in modo diametralmente opposto. Da una parte il libro di Gaiman diventato una delle serie TV più belle del 2017 vede nelle divinità antiche e nel loro rapporto con la modernità una metafora del tempo che passa e un’occasione per parlare del rapporto dell’uomo di oggi con il divino. Dall’altra il Pantheon di adolescenti trasformati in dei della musica di Kieron Gillen sono il simbolo di un’adolescenza in cui ci si sente onnipotenti o assolutamente inutili, in cui il nostro mondo viene capovolto e dobbiamo trovare una nuova chiave di lettura. Da questo punto di vista mi sono piaciuti anche gli ultimi racconti dell’Ercole Marvel, personaggio tormentato in cerca di un’identità che deve fuggire dall’alcolismo e riguadagnare la fiducia degli Avengers, o tutte le storie in cui Dracula si ritrova nel ventesimo secolo. Le divinità del passato altro non erano che supereroi e l’idea di vederli alle prese con il mondo di oggi mi è sempre piaciuto. E questo ci porta al punto due.

Persone fuori dal loro tempo e contesto

Ash che si ritrova nel medioevo, Wonder Woman che quasi si commuove di fronte a un gelato, Captain America scongelato nel ventunesimo secolo che applica i codici morali degli anni ’40, Javik in Mass Effect che ogni cinque minuti ricorda come ai suoi tempi i Prothean governassero la galassia, Demolition Man, Spock contro i nazisti e tutto Ritorno al Futuro. Non chiedetemi perché ma è una di quelle trovate che su di me ha sempre presa, sia dal punto di vista puramente comico che allegorico. In mano al regista giusto può essere uno strumento potentissimo, ce lo dimostrano Captain Fantastic e la storia di padri che crescono i figli fuori dal consumismo americano, ma riesce persino a rendere piacevole una roba bruttissima che ricordo solo perché sfrutta questo topos: Le ragazze della terra sono facili.

Training montage

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Il classico dei classici, la base dei film d’azione. Il momento in cui il protagonista (e anche l’antagonista) sfidano i propri limiti fisici in vista dello scontro decisivo e tu sei là che li guardi, ti esalti e sei pronto a gustarti l’epilogo. È il classico momento in cui ti senti in colpa perché forse dovresti tornare in palestra, forse perché il tuo cervello per secondo pensa realmente che basti una sessione di allenamento di pochi minuti per battere Ivan Drago. In alternativa il Training Montage può essere sostituito dal suo fratello cattivo: il momento in cui il protagonista si arma, con la telecamera che indugia con misurata lentezza su decine di armi differenti e su dettagli come un colpo che viene messo in canna, un coltello che entra nella fondina e due dita che tracciano una linea nera sotto l’occhio. Stallone e Schwarzenegger da soli detengono il 90% delle quote di questa sezione.

I gruppi

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Quella sporca dozzina, i magnifici sette, il mucchio selvaggio, l’Emobranco, i Goonies, gli Expendables, Voltron, l’equipaggio di Alien: La clonazione, persino Suicide Squad. Ho un debole per i gruppi di personaggi che combattono insieme per una causa comune, soprattutto se si stanno antipatici. Di solito non sono meno di cinque e hanno ruoli ben precisi. C’è un leader, un comandante in seconda che ha il carattere opposto a quello del leader, quello sveglio, la ragazza e non può mancare l’esperto di demolizioni. Ciascuno è particolarmente bravo con un’arma e ci sarà sempre quello che si sacrifica per salvare gli altri o che muore male. Di solito questa morte serve a dare importanza al’ultimo e più importante simbolo narrativo di questa cinquina, forse uno dei più importanti di sempre.

Il mostrone

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Lo Squalo, i draghi, Godzilla, la Regina Aliena, King Kong, il Tirannosauro, il Metal Gear, Moby Dick, insomma una creatura con cui non scendi a patti, per il semplice fatto che non ti capisce o non è umana, un essere molto più forte di te e in grado di annientarti con un colpo solo. Una forza della natura o un esperimento fallito che caccia l’uomo e che si svela piano piano fino a mostrarsi in tutto il suo orribile aspetto o titanica bellezza. I mostri sono uno degli strumenti narrativi più importanti della nostra tradizione. Possono essere l’esempio di tutto ciò che è sbagliato, rappresentare le giuste leggi della natura o semplicemente una forma di vita così lontana da noi da non percepire l’esistenza umana come degna di esistere.

Ogni mostro ha bisogno di almeno due o tre persone a caso di un equipaggio/gruppo di amici/team di ricercatori/gruppo di soldati che devono morire in maniere sempre più splatter e rivelatrici, così da permetterci di intuirne le forme. Questo a meno che non siano una sorta di minaccia sullo sfondo che si scatenerà solo nel finale. Di solito la bravura di un regista sta tutta nello svelare il mostro al momento giusto e nel modo giusto. Troppo presto e il film perde forza, troppo tardi e resti insoddisfatto. Un buon mostro può tenere in piedi una storia da solo, ma ciò che conta non sono tanto i suoi poteri, ma il modo in cui viene ucciso.

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Rassegnatevi, siamo Fantozzi

Il personaggio di Paolo Villaggio non ha solo descritto gli italiani, insultandoli mentre loro ridevano, gli ha insegnato a parlare

Fantozzi è come Godzilla, un gigante che espone i nostri peccati, che da piccolo guardi perché ti fa ridere (o perché ami i mostri che distruggono palazzi) e che da grande apprezzi perché scopri che sotto c’era molto di più.

Prima ancora che si iniziasse a parlare di cultura pop in Italia, Villaggio con Fantozzi la stava inventando, creando un lessico, un modo di parlare, una mimica e una serie di personaggi che raccontavano ciò che stava succedendo in Italia tra gli anni 70 e gli 80, il culto della fabbrica, le vacanze al mare, il grigiore eletto a vanto, la Milano grigia, la Roma maneggiona, la venerazione dei potenti, la rivalsa dell’uomo comune sulla cultura, la voglia di fuggire dagli impegni con la signorina Silvani, la meschinità di schiacciare quello sotto e servire quello sopra, la consapevolezza che il sistema, alla fine, vince sempre.

E poi maschere come quella del ragionier Calboni, forse il personaggio che è invecchiato meglio è che ancora è specchio delle fanfaronate da social, dell’italiano che una volta chiamava quattro taxi e spendeva i soldi degli altri e oggi si fa un selfie in discoteca come se fosse Dan Bilzerian.

Spesso ci lamentiamo del fatto che l’Italia è una provincia culturale degli Stati Uniti, che mode, stili e linguaggi ci sono stati imposti, ma non esiste film, fumetto o racconto americano che possa arrivare anche solo eguagliare l’impatto avuto da Fantozzi sulla nostra società. Un impatto che dura nonostante quel mondo sia ormai quasi del tutto scomparso, divorato dalle stesse forze che l’hanno creato. Posto fisso, pensione, tredicesima, casa di proprietà, oggi Fantozzi sarebbe un privilegiato.

La cagata pazzesca, il rutto libero, chi ha fatto palo? 92 minuti di applausi, le visioni mistiche, il congiuntivo a caso, l’accento svedese, coglionazzo, come è umano lei, il megadirettore galattico, il triplo filotto reale ritornato con pallino. Paolo Villaggio ci ha insegnato a parlare e secondo me non ce ne siamo neanche resi conto.

La sua genialità è aver mostrato agli italiani quanto facevano schifo, quanto erano tristi, grigi e meschini, ma facendoli ridere così tanto che non se ne rendevano conto. Quando esultiamo insieme a Fantozzi per il suo giudizio sulla Corazzata Potëmkin (pardon Kotiomkin) siamo semplicemente dei mediocri che godono della loro mediocrità, se invece ci scandalizziamo forse siamo proprio quei boriosetti da cahier di cinemà che prendeva in giro. La comicità di Villaggio era senza via d’uscita. (anche se secondo me molti lo hanno scoperto, e poi apprezzato, grazie a quella battuta).

L’unica differenza tra il Fantozzi di ieri e quello di adesso sta nel fatto che oggi direbbe a tutti di aver apprezzato la terza stagione di Twin Peaks.

Il nostro obiettivo adesso è tramandare tutto questo, perché di lui non restino solo le parole senza un significato, come quando da ragazzini lo imitavamo a pappagallo per far ridere la classe.

Se un giorno vostro figlio vi chiederà chi è Fantozzi, voi fategli vedere tutta la parte del torneo di biliardo, probabilmente avrete pochi minuti della sua attenzione, ma dovrebbero bastare a incuriosirlo.

Qua è riassunta tutta la filosofia fantozziana. Si parte col Catellani “Gran Maestro dell’ufficio raccomandazioni e promozioni” che professa di essere uno partito dal basso. Poi c’è tutta la parte la parte comica e surreale delle lezioni di biliardo, dei gessetti mangiati, del fingere una relazione per nascondere la verità.

Si arriva alla partita e il montaggio è degno di uno scontro di boxe. I 38 “coglionazzo” e “il suo è culo, la mia è classe” sono cazzotti nello stomaco dello spettatore, che tifa per Fantozzi e si sente come sua moglie. Finalmente arriva il riscatto dell’uomo servile che improvvisamente diventa leone e nel farlo tratta male Filini, forse l’unico amico della sua vita, perché Fantozzi è di fondo un debole che non vede l’ora di diventare forte per umiliare a sua volta.

E mentre assistiamo compiaciuti al suo riscatto non ci rendiamo conto che Fantozzi sta di fatto condannandosi da solo nell’unico momento in cui gli bastava essere sé stesso e subire una delle tante umiliazioni della sua vita. Il comico si mescola col tragico, la risata con la tristezza…

E poi prende la vecchia.

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Guardiani della Galassia Volume 2 — Recensione

Dopo averci colti di sorpresa Star Lord e compagnia cercano di bissare il successo tra risate e qualche lacrimuccia

Di cosa stiamo parlando?

Guardiani della Galassia Volume 2 è il secondo film di James Gunn dedicato a un gruppo di personaggi abbastanza secondari nel grande universo Marvel che sono saliti alla ribalta dopo il successo della prima pellicola. Oltre alle facce note di Star Lord, Gamora, Drax, Groot, Rocket Raccoon, Yondu e Nebula, in questo capitolo debuttano Mantis, un’aliena in grado di percepire e influenzare i sentimenti altrui e Kurt Russel nei panni di Ego ovvero, se avete i visto il trailer, il padre di Star Lord.

Ah sì, c’è anche Stallone, ma non esaltatevi troppo.

Ok, ma com’è?

Fondamentalmente è un film comico con qualche scena d’azione che nasconde temi abbastanza interessanti dietro un sacco di battutine e la tendenza a non prendersi mai sul serio. Avete presente quella fase della crescita in cui ogni momento anche solo vagamente profondo viene immediatamente sdrammatizzato con una risata perché ti rendi conto che le cose stanno cambiando e l’unico modo che hai per gestire tutto è l’ironia?

Guardiani della Galassia Volume 2 è fondamentalmente un diciottenne che sente sul collo il fiato dell’età adulta, ma che probabilmente finirà a cazzeggiare in sala studio a Scienze Politiche, tra una sigaretta e una lettura veloce degli appunti. Un po’ come il suo pubblico di riferimento.

Sul piatto, celati sotto tonnellate di gag ben riuscite, ci sono temi come la crescita, il rapporto con i propri genitori, la fiducia in se stessi, la ricerca della propria strada, l’amicizia, la fratellanza. Il personaggio di Mantis per esempio è fondamentalmente il simbolo dell’empatia, in grado di placare la mente di Ego, un essere supremo in preda a un delirio di onnipotenza, ma è anche quella che parla buffo e che viene presa in giro da Drax.

Ogni tipo di approfondimento viene alleggerito fino alle ultime battute, in cui tutto il carico emotivo accumulato dal film in maniera quasi impercettibile esplode violentemente e, vi avverto, rischiano seriamente di sudarvi gli occhi.

Perché questo sotto sotto è il classico film sulla famiglia fatta non di sangue, ma di persone che ti scegli (in questo è molto più Disney che Marvel) e in cui le trame più belle e interessanti sono quelle parallele alla principale, dedicata a Star Lord. Il non detto fra Gamora e Nebula, le schermaglie fra Drax e Mantis e i traumi irrisolti di Yondu e Rocket sono la vera spina dorsale del racconto.

Un altro aspetto singolare è che pur essendo all’apparenza un film d’azione pieno di scene abbastanza movimentate, quasi mai vediamo il gruppo combattere assieme. Nei geniali titoli di testa l’azione si svolge tutta alle spalle di Baby Groot (meno odioso del previsto) e ci vieni quasi negata, mentre nel resto del film, escludendo il finale, gli scontri sono quasi sempre a bordo di astronavi.

Effetti speciali? Bene, ma non benissimo. Tutta la parte sul pianeta di Ego è volutamente barocca, ma anche tremendamente posticcia, il resto è invece ordinaria amministrazione Marvel. La colonna sonora, che nel primo era quasi un personaggio in più, qua rimane piacevole, ma non sembra altrettanto incisiva, manca forse il pezzo giusto per consacrarla del tutto.


Insomma, bello o brutto?

Ovviamente manca l’effetto sorpresa del primo, che spuntava dal nulla con personaggi abbastanza sconosciuti al grande pubblico. Ora l’estetica è sdoganata, l’uso di musica retro sa di vecchio e in generale alcune cose che prima sembravano fresche adesso appaiono forzate, ma è tutto sommato un film estremamente divertente, privo di cali di ritmo, che riesce a tenere in piedi una trama abbastanza esile che si sfilaccia un po’ troppo e scorre molto meno fluida del primo film.

Tutto si regge su un paio di idee che potrebbero tranquillamente far parte di una puntata di Star Trek che nasconde fondamentalmente un metaforone sulla crescita. D’altronde parliamo di un film in cui alla fine si combatte contro un padre che si chiama EGO e in cui ogni componente del gruppo rappresenta una fase della nostra vita.

Pollice alto per quanto riguarda la visione artistica colorata ai limiti del pacchiano, anche se l’estetica Laser in stile ’80 comincia un po’ a tirare troppo la corda, bene le scene d’azione, tranne il combattimento finale, sembra preso da Dragon Ball ed è in totale contrapposizione col tema generale dei Guardiani, inoltre, dimostra la generale evanescenza dei cattivi Marvel. Peccato, perché la regia, a partire dai titoli di testa, dimostra una certa personalità.

Nel generale equilibrio tra i vari personaggi, su tutti spunta Drax, vera e propria anima comica del film, seguito da Rocket Raccoon, entrambi deputati a riportare ogni situazione sui binari dell’ironia. Baby Groot si conferma invece macchina per il marketing e i pupazzetti, onestamente non vedo l’ora che cresca e torni a essere una specie di quercia spaccatutto.

Tuttavia la sua figura si rivela estremamente efficace nell’evidenziare il punto di vista di Gunn sulla storia, soprattutto nella sequenza iniziale. Il piccolo Groot è un bambino che gioca a stare con i grandi, senza curarsi di problemi e conseguenze, che un po’ si cura di ciò che accade attorno a lui, un po’ balla per i fatti suoi. Una filosofia che riesce a trasformare anche lo scontro più drammatico in un momento di avventura scanzonata.

Insomma, al netto di qualche difetto che lo posiziona sotto il primo Guardiani della Galassia 2 è un ottimo fumetto in movimento. C’è ritmo, si ride, si spara, esplodono un sacco di cose e alla fine parte anche la lacrimuccia. Senza dubbio nel panorama del Marvel Cinematic Universe i Guardiani sono una delle parti più in forma. Bene così e avanti col terzo.

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Fast & Furious 8: The Fate of the Furious: fate largo ai veri supereroi moderni

Cosa sono gli Avengers quando hai la Famiglia?

C’è una serie che da anni è riuscita stipulare un bellissimo patto narrativo col suo pubblico di riferimento, un pubblico che di solito è estremamente puntiglioso, acido e cattivo, ma che di fronte a Fast & Furious è disposto a sospendere incredulità, convenzione di Ginevra e manuale di fisica.

Fast & Furious 8 inizia a Cuba e gli bastano poche cose per entrare nel mood: una bella auto, una ragazza che ancheggia, una corsa all’ultimo secondo con le fiamme che sfondano il finestrino mentre vinci in retromarcia. Il film potrebbe finire dopo 20 minuti e saresti comunque felice così.

Ma quest’anno il tema della famiglia viene ribaltato, da punto di forza e messaggio positivo diventa un peso, diventa ciò che può essere usato contro di te, ma sarà veramente così?

Nessuna saga di supereroi gode al momento dello stesso credito e dello stesso affetto riservato alla Famiglia di Toretto, i suoi sono gli unici film tutti, dal critico al geek, dal giovane al vecchio, vanno per divertirsi e vengono puntualmente ripagati con un prodotto d’intrattenimento perfetto che ogni volta riesce incredibilmente ad alzare l’asticella, rimescolando personaggi, situazioni, suggestioni, senza il peso di “ma nel fumetto era meglio”, “ma nel libro era diverso”.

Grazie a questo stato di grazia gli autori negli anni si sono potuti permettere soluzioni sempre più assurde, che in questo capitolo culminano nel ritenere una Lamborghini sul ghiaccio un’idea sensata, curvare siluri a mani nude e una pioggia di auto.

Di fatto l’unica cosa assurda di questo ottavo capitolo è Michelle Rodriguez che indossa gli stivali fino al ginocchio in mezzo al caldo tropicale di Cuba.

I personaggi di Fast & Furious sono supereroi veri, sono i ghetto Avengers, con un’epica, un codice personale, una logica tutta loro, poteri e personalità ben distinti. I loro costumi sono le auto, che li rispecchiano in tutto e per tutto, funzionava per i G.I Joe, funziona per loro. Toretto avrà sempre una muscle car, The Rock una Jeep, Statham un’auto inglese, magari una Jaguar e così via.

In Fate of the Furious il legame tra uomo e macchina diventa ancora più raffinato, sono i loro esoscheletri potenziati, si muovono come facessero parkour, riescono persino a farci a cazzotti e diventano lo scudo che ti salva quando tutto è perso.

L’esempio più evidente di questa filosofia è la scena del trailer in cui Toretto viene tenuto fermo nella sua auto da quattro rampini come se fosse una belva in gabbia che urla, sbuffa e ringhia, prosegue quando le auto a guida autonoma diventano come gli zombi di un film post-apocalittico, citando Bad Boys II, fino alla sequenza del sottomarino, che riprende le suggestioni di Ottobre Rosso per trasformarsi un vero e proprio mostro di fine livello.


Se proprio vogliamo trovare un difetto, anzi, due, facciamo tre, ormai il pubblico è abbastanza maturo per vedere sullo schermo hacker che fanno qualcosa di diverso dal picchiettare su una tastiera mentre dicono cose incomprensibili. Per la serie questo è un capitolo particolarmente cupo, quindi manca un po’ il momento stiloso, la riccanza, il glamour, l’uso di location spettacolari ed eccessive in cui ti senti fuori luogo anche se sei Briatore. Se vogliamo essere pignoli è scarso il bilanciamento fra azione in auto e a piedi: c’è una bellissima scena in prigione e poi quasi niente fino agli ultimi minuti. Guarda caso entrambi segmenti sono quasi totalmente a cura si Statham.

Ottimo invece l’equilibrio tra serietà, azione e humor, in particolare è incredibile come The Rock riesca a passare dall’uno all’altro risultando sempre e comunque sensato.

Per il resto, abbiamo il giovane Eastwood che fa il panchinaro di lusso e inizia a ricavarsi un posto come nuovo Paul Walker, Statham che ricorda al mondo il suo DNA di attore action, trasudando carisma, prendendo da John Woo e John Wick e riuscendo persino a farti ridere. Infine, Charlize Theron, perfida ma troppo filosofica e lontana dall’azione, avrei preferito per lei un ruolo più evoluto rispetto al solito super hacker con accesso a tutto.

Non il miglior capitolo, ma una buona transizione verso una nuova trilogia, abbastanza da farti chiedere: “Quando arriva il 9?”.

Gli ingredienti di un perfetto film di Natale


Ogni stagione ha le sue tradizioni, ma nessun periodo ha così tanti riti come quello natalizio. Uno dei più importanti è sfruttare i giorni di festa per fare overdose di Una poltrona per due, La vita è meravigliosa, Miracolo sulla 34esima strada, Willy Wonka, ma anche Die Hard, Love Actually e altre pellicole senza le quali non può essere Natale.
 I film natalizi sono un genere codificato, e come tutti i generi ci sono delle regole ben precise da rispettare, un canone a cui aderire, identificato in alcuni fondamentali elementi che devono essere presenti in qualche modo. Dopo anni e anni di passati di fronte alla televisione ho cercato di identificare quelli più importanti.

Il Grinch


Un personaggio fondamentale: quello che per qualche il motivo non sente lo spirito del Natale, lo Scrooge della situazione. Può essere un grande manager che pensa solo ai soldi, un genitore che lavora troppo, una persona arida e delusa, qualcuno sconfitto dalle tristezze della vita… le motivazioni possono variare, ma ci dev’essere qualcuno a cui il Natale, la spensieratezza e la felicità non piacciono più di tanto.

C’è anche la variante del personaggio che vuole, letteralmente, rubare il Natale, facendo sparire i regali o rapendo Babbo Natale. Anche in Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato, che pur non è un film ambientato proprio a Natale, ci sono personaggi che “tradiscono” lo spirito di bontà del Natale con comportamenti improntati solo all’avidità e al consumismo.

Il personaggio del Grinch è fondamentale perché si lega al suo acerrimo nemico… quello che ci crede troppo.

L’entusiasta


Ovvero chi alle prime luci natalizie è già pronto a fischiettare “All I want for Christmas is you”, che al primo dicembre ha già riempito la casa di renne di peluche, neve finta, muschio del presepe, stelle di natale e indossa maglioni ridicoli. Quello che continua a ripeterti “Non la senti la magia del Natale?” e spera che nevichi, anche se questo vuol dire il blocco della circolazione e migliaia di autisti arrabbiati. Questo personaggio di solito ha come missione far recuperare agli scettici lo spirito natalizio e, tradizione vuole, subirà almeno una volta una crisi di coscienza che farà vacillare la sua fede. Alla fine probabilmente lo vedremo vicino a un albero addobbato o mentre contempla una casa piena di lucine accanto al tizio che prima non sentiva l’atmosfera natalizia.

Qualcuno deve star male


Non c’è gioia senza patimento. Gente senza lavoro, famiglie povere, malattie terminali, personaggi cattivi (vedi il primo punto) che vogliono chiudere attività belle, tipo una libreria, per far posto a un centro commerciale, terroristi. In alcuni casi la crisi è amorosa e sarà il Natale a far sbocciare la passione. I film di natale, come tutte le grandi storie, nascono da un conflitto o da una crisi da affrontare che, ovviamente, viene risolta con lo spirito natalizio e un po’ di magia. A meno che tu non sia John McLane, in quel caso ci vuole una mitragliatrice, oh oh oh.

Babbo Natale


Poteva forse mancare? Assolutamente no. Di solito è un vecchietto tranquillo che è palesemente uguale a Babbo Natale, ma nessuno se ne rende conto fino alla fine. Come nei film di zombi in cui la gente inizia a nutrirsi di carne umana ma tutti fanno finta di non sapere cosa potrebbe essere. Nella maggior parte dei casi Babbo Natale è un po’ come Gandalf, un vecchio saggio, pieno di poteri, che però decide di non usarli troppo, se non per aiutare persone molto piccole. C’è poi la variante della persona comune che deve vestire i panni di Babbo Natale, dando il via a una serie di equivoci, situazioni comiche e trasformazioni. In questo caso ci deve essere almeno una scena in cui cerca di passare da un camino o guida la slitta in maniera disastrosa. Volendo c’è anche la variante “Babbo Bastardo” ovvero l’inversione tragico/sarcastica del rassicurante vecchietto con la barba bianca.

La Magia


Non solo quella del Natale, ma in generale un elemento sovrannaturale, qualcosa che aiuta i protagonisti o li contrasta, oppure una forza che ne domina la realtà. Possono essere i Gremlins, il mondo di Nightmare Before Christmas o quello del Grinch, gli spettri del Canto di Natale, non importa, l’elemento magico è ciò che caratterizza questo periodo rispetto al resto dell’anno. A volte questo elemento è semplicemente il caso che porta una singola buona azione a scatenare una serie di elementi positivi che poi premiamo il protagonista. L’importante è che ci ricordi che viviamo un momento in cui per un attimo alziamo la testa da impegni, bollette, problemi e speriamo che per qualche motivo tutto andrà bene solo perché il 25 dicembre. Dunque la magia si lega con un altro grande tema dei film natalizi: la speranza.

La Famiglia


Natale con i tuoi, Pasqua con chi vuoi. La famiglia, o la sua essenza sono parte integrande del Natale. Alla famiglia si legano momenti classici come i parenti imbarazzanti che non vedi da tantissimo tempo, lo zio bizzarro, la nonna gentile ma un po’ sorda, una bella litigata a tavola perché ancora non hai trovato marito. In questo Mamma ho perso l’aereo è geniale: prende la figura del bambino, solitamente quello che sente di più il Natale, lo trasforma in una sorta di Grinch, gli toglie la famiglia e infine riconcilia tutti, senza dimenticarsi l’elemento magico. Quante sono le possibilità che un bambino resista veramente all’assalto di due ladri?

La redenzione


Parliamo pur sempre di una festività cristiana oltre che di un periodo che ha ispirato decine di adattamenti del Canto di Natale, dunque che natale sarebbe senza un pentimento? Di solito la fase di chiusura di una storia natalizia è particolarmente lunga perché spesso contiene più personaggi e storie che devono trovare la loro conclusione. Il cattivo diventa buono o fa la fine che merita, la persona sola, povera o triste migliora la propria condizione. La famiglia mette da parte le divergenze e cena assieme, il bambino ottiene il regalo tanto sperato, George Bailey non si ammazza e Hans Gruber cade dal Nakatomi Plaza.


Originally published at www.wired.it on December 22, 2016.

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Star Wars: Rogue One — La Recensione

Lo spettacolare inizio di qualcosa di epico

Finalmente ieri sera ho visto Rogue One che a quanto pare dovrebbe essere il primo capitolo di qualcosa più ampio chiamato “Star Wars” o “Guerre Stellari”, dipende se vorranno tradurre anche il titolo o no, l’unica cosa certa dell’adattamento italiano è che vorrei lanciare alcuni doppiatori in un pozzo profondo e non farli uscire mai più.

Fino a ieri non conoscevo molto del progetto, avevo visto qualche trailer, ma non ero del tutto convinto. C’è questa mega stazione spaziale improbabile e affascinante, la Morte Nera, un Impero spaziale e dei ribelli che cercano di distruggerla grazie a una tizia. Questo era tutto ciò che sapevo prima di entrare al cinema. Le idee mi parevano buone, ma ho preferito mantenere basse le aspettative.

L’inizio del film sembra un collage di corti messi insieme alla rinfusa, ma credo fosse un inevitabile compromesso necessario per presentare tutti i personaggi. Non c’è una scena che duri più di trenta secondi. Per qualche minuto lo spettro di Suicide Squad aleggia sul film ridendo come il Joker, poi per fortuna le cose cambiano, la storia inizia a incanalarsi lungo binari sensati e convincenti, senza buchi della trama, senza momenti assurdi. Forse la seconda parte soffre di un certo calo di ritmo, ma il finale, dio mio, il finale è qualcosa di EPICO.

Jin Erso è un’eroina atipica, non ha assolutamente voglia di fare quello che va fatto, è una persona danneggiata, ferita e abbandonata da chiunque le sia stato vicino, padre incluso, dotata dell’empatia di chi fin da piccolo ha vissuto nascosto in un buco cercando di non farsi scoprire dal destino.


Lei non vive la chiamata dell’eroe, come quasi tutti i “buoni” viene semplicemente costretta a fare ciò che deve essere fatto, senza riflettere troppo sulle conseguenze, perché la Storia, quella con la S maiuscola che sopravvivere agli uomini e si legge sui libri, non la puoi evitare, puoi solo sperare di essere ancora vivo quando tutto sarà finito.

Che in fondo tanto buoni non sono, sono semplicemente dall’altra parte di una barricata e stanno perdendo, sono divisi tra loro, litigano, torturano, fanno agguati, uccidono senza pietà, non aspettatevi eroi senza macchia dalla battuta pronta.

E poi ci sono i cattivi, che, personalmente, mi hanno affascinato di più, forse per le uniformi, forse per lo spettacolare design delle truppe e delle astronavi, forse perché tra le loro fila vive e respira (è il caso di dirlo) il personaggio più bello, ma di lui parlerò dopo.

L’Impero è un male che ricorda il nazismo, ma anche l’uso disinvolto dell’atomica degli americani durante la Seconda Guerra Mondiale. Anzi, oserei dire che in alcuni momenti il parallelismo tra gli Stati Uniti e l’Impero è decisamente palese. C’è una scena, ambientata su un pianeta che ricorda l’Iraq o l’Afghanistan che riprende in tutto e per tutto le imboscate dei talebani ai marines, solo che, teoricamente, qua i talebani sono i buoni. Anche il pianeta finale è ricco di suggestioni, sembra una via di mezzo tra Pearl Harbor, l’atollo di Bikini e Dubai.

In questa carrellata di disperati, uomini di fede, compagni d’arme e stilosissimi cattivi in uniforme, due figure emergono tra tutte: dalla parte dei buoni il robot K-2SO, un po’ spalla comica un po’ macchina di morte, perfetto per mitigare la cupezza del film, dall’altra un tizio completamente vestito di nero, con tanto di mascherone in stile samurai che (MAMMA MIA) credo si chiami Darth Vader. È una specie di cavaliere nero dotato di telecinesi e una bellissima spada laser (chi l’ha pensata è un genio) compare pochissimo ma ogni volta che è in scena si mangia tutto come un buco nero di cattiveria e risolutezza, ho bisogno di saperne di più.

Se proprio devo fare un’osservazione sul casting, Peter Cushing mi pare un po’ rigido nel recitare, quasi morto.


Nonostante il tema di Rogue One sia la speranza, è senza dubbio un film intenso in cui tutti hanno assolutamente chiaro il fatto che di fronte a un male così grande la morte è quasi una certezza, ma sono comunque disposti a fare tutto il necessario per vincere.

La speranza in questo caso è quasi sempre un futuro migliore non per te, ma per chi rimane. Il vero filo conduttore del film quindi è il sacrificio consapevole legato alla certezza di aver fatto la cosa giusta.

Che poi onestamente sarebbe anche interessante capire cosa intendono alcuni personaggi quando parlano di “Forza”, una sorta di potere mistico e religioso che li guida e a cui affidarsi con totale abbandono. Forse potevano spiegarla un po’ meglio, così come potevano raccontarmi qualcosa di più sulle enormi statue di guerrieri-monaci che giacciono in mezzo alle dune.


Spero che il film incassi bene e che abbia un seguito, perché si chiude con un finale aperto in cui una tizia vestita di bianco riceve questi famigerati piani della Morte Nera, ma poi non si sa capisce cosa succederà.

Fondamentalmente ci troviamo di fronte a un film di guerra, a Quella Sporca Dozzina o il Mucchio Selvaggio, ma coi laser, il classico tema del gruppo di antieroi votati al martirio che alla fine si rendono conto di essere migliori di quello che credono. Ciò che permette a Rogue One di non soccombere di fronte a questi titani è l’elemento fantastico, la consapevolezza che ci troviamo di fronte a qualcosa con un enorme potenziale, ricco di spunti che potrebbero essere approfonditi. In fondo la Seconda Guerra Mondiale la conosciamo già, la lotta tra Ribelli e Impero no.

Voglio saperne di più su Darth Vader, voglio un film che lo veda come protagonista. Ce ne sono altri come lui? Sarebbe assurdo non vedere un duello con spade laser! A dire il vero pare che il secondo film sia già in lavorazione e che se ne occuperà direttamente il tizio che ha scritto le basi di Star Wars, tale George Lucas.

C’è un mondo dietro a Rogue One che non vedo l’ora di scoprire, pianeti, razze, personaggi da sviluppare, strane religioni e storie da raccontare, mi sembra il perfetto inizio di qualcosa di grande.